Boutique en ligne

Retrouvez les œuvres d'art originales sélectionnées pour vous par notre galerie d'art actuel auprès de nos artistes professionnels.

Les peintures, photographies, travaux numériques, sculptures, dessins et d'estampes présentées par la corbata rosa sont un morceau d'évasion vous ouvrant une fenêtre sur la création contemporaine.

Retrouvez une sélection d'œuvres d'art originales de nos artistes.

Sous-catégories

Antonio Ballester Les...

Antonio Ballester Les Ventes est un peintre, designer, sculpteur et photographe espagnol, né le 15 février 1952 à Paris et mort à Murcia en 2024. Il se présente comme un fabricant d'images.

Ses séries sont traitées comme des chroniques journalières et regroupent des œuvres relativement polymorphes, utilisant des médiums très différents autour d´une même thématique.

La stylisation des formes a pour objectif de faciliter la lecture, de permettre au regardeur de porter son attention directement sur l'essentiel, de révéler la substance originelle qui compose toute chose et permet de l'identifier.
Anne Morea

Anne Morea est une artiste plasticienne française, née en 1957, elle vit à proximité de la Loire au sud d'Angers.

Après des études à l'école des Beaux-Arts d'Angers, où elle a eu l'occasion de travailler avec Jean-Pierre Pincemin, Philippe Cognée ou encore Edward Baran, elle se tourne principalement vers la peinture, la gravure, le dessin, la sculpture et l'installation.
Den Chamanie

Den Chamanie est un artiste peintre, dessinateur et graphiste professionnel, né en 1967 à Angers. Il vit et travaille actuellement à Chalonnes-sur-Loire.

Il est passé par l'école des Beaux-Arts d'Angers de 1984 à 1988 et a fait partie des Graphistes associés / Grapus de 1989 à 1994. Ces formations et expériences lui ont appris les techniques graphiques, la communication visuelle et le métier de graphiste.

Très présent dans le milieu musical, Den Chamanie a réalisé plusieurs pochettes, affiches, fanzines et même animé des émissions de radio et soirées. Ses activités artistiques l'ont amené à voyager à Paris, New York, Bruxelles ou encore Prague, et il a eu l'occasion de dessiner pour la presse notamment l'Huma, l'Humanité Dimanche, Libération, Révolution et Regards. Il a également collaboré avec Lojo, Santa Macairo Orkestar, le théâtre du Champ de Bataille, l'Artothèque d'Angers, Villages en Scènes ou encore les Accroche-Cœurs.

"Je suis né avec la passion du dessin, un crayon à la main."
Denis Huneau

Denis Huneau est un artiste français né en 1961, il vit et travaille à Angers. Après avoir terminé des études à l'école des Beaux-Arts d'Angers, il se dirige principalement vers la peinture et le dessin dans le cadre de sa pratique artistique, mais aussi de la création de nombreux décors de spectacles de théâtre et de danse.

Denis Huneau travaille principalement à la plume, avec de l'encre de Chine, et au pinceau, à la gouache et à l'aquarelle, sur papier. Ses œuvres sont généralement marouflées ensuite sur toile.

Poésie du trait

Il allie traits et couleurs autour de portraits intimes et poétiques. Le trait écrit l'histoire, il est ensuite complété par quelques notes colorées qui ponctuent l'image. La couleur vient souligner un visage, un vêtement, un objet.

Spontanéité des scènes

Les personnages apparaissent au premier plan de scènes de vie contemporaines. L'artiste y fige un instant, une attitude, une ambiance, une expression. Les regards, souvent figés, nous interpellent sur le monde que l'artiste a construit autour de ses figures, ils placent le regardeur dans le domaine du ressenti et l'interrogent aussi sur lui même.
François Chauvin

François Chauvin est un artiste plasticien né en 1964, d'origine Tourangelle, il vit et travaille aujourd'hui à Louresse-Rochemenier où il a son atelier et centre de formation "Le Prieuré".

Ses créations sont principalement des sculptures, dessins et photographies. Son attachement à la sculpture remonte à l'âge de 8 ans où il sculptait déjà les murs de sa chambre au couteau et au tournevis. Depuis une dizaine d'années, il expose ses créations non figuratives aussi bien en intérieur qu'en extérieur. Elles utilisent principalement le tuffeau, le schiste, l'osier et le bois.

"Je créé un lien entre sa nature et la nature"

On recèle dans ses œuvres un goût pour la fulgurance, le jaillissement, l'intensité et la recherche de la sensibilité. Ses travaux récents autour de l'osier laissent la part belle au geste et à l'évocation des arts graphiques.

François Chauvin part d'un bloc de pierre brut, d'un morceau de bois flotté, de ferraille ou d'osier, qu'il manipule, travaille et amène par sa créativité à un état d'achèvement par lequel une forme se dévoile à nous.
Pucya

Pucya est une artiste plasticienne née à Nantes sur l'ïle Feydeau, elle vit et travaille sur la presqu'île de Guérande, à Pornichet depuis 2014.

Après une formation aux Beaux-Arts de Nantes complétée par plusieurs stages auprès d'artistes tels que Jean Bouron et Salomon Rossine, qui ont permis d'affiner sa maîtrise de nombreux médiums allant du dessin à la peinture en passant par la gravure et la performance, Pucya s'est intéressée à d'autres domaines comme l'art thérapie et l'astronomie.

Ses travaux graphiques traitent principalement du paysage urbain et du portrait.

Dans ce dernier, Pucya s'attache à l'étude des expressions, attitudes, mouvements, c'est à dire du vivant mais aussi de l'invisible.Ses cadrages centrent l'attention sur le visage, les yeux.

Elle utilise de l'aquarelle, dont elle apprécie les vibrations particulières et la transparence, associée à l'encre de chine qu'elle applique à la plume de goéland.

Elle nous présente les visages d'inconnus, dont elle saisit l'émotion issue d'une rencontre. Ses portraits touchent nos sens et questionnent sur l'individu représenté et sur ce que l'artiste exprime dans sa réalisation.

L'action devient un jeu et une invitation à découvrir des ressemblances inattendues... de quoi en oublier sa plume.
Pascal Lallement

Pascal Lallement est un artiste français né en 1959 à Reims. Après des études de sociologie, il s'est progressivement tourné vers l'art comme moyen d'expression.

Pour une poétique de l'image

Bien qu'ayant suivi les cours du soir de l'école des Beaux-Arts de Reims durant trois ans, où il a notamment été sensibilisé à l'art moderne et à l'abstraction, c'est en autodidacte qu'il a appris le dessin, l'aquarelle, le pastel et la photographie durant les années 1970 et 1980. Depuis 2006, il utilise l'outil photographique comme un médium lui permettant d'approfondir ses recherches esthétiques visant à créer des formes nouvelles allant au delà de tous repères.

Voyageur de l'immobile, je rêve à travers la matière à la recherche d'un improbable à naître.

Les images de Pascal Lallement sont des portes ouvertes sur l'imaginaire. Elles éveillent en nous des sensations inconnues, nous y arpentons nos subconscients, nos souvenirs sensitifs, nos ressentis... Dans ses photographies, l'artiste a une approche picturale de la matière et de la forme. La couleur, les jeux de lumières, et les compositions rappellent la peinture abstraite. Pourtant l'origine des œuvres de Pascal Lallement est bien le réel, du moins son image, qui est la base de ces projections irréelles.
Bruno Antony

Bruno Antony est un artiste atypique né en 1962 à Rouen. Il pratique à la fois la peinture, le collage, le dessin, la sculpture, la photographie, la performance et la musique.

Formé aux Beaux-Arts de Cholet de 1988 à 1990, il mène volontairement sa carrière artistique en parallèle d'une carrière professionnelle dans l'agroalimentaire. Débordant d'énergie, il partage aujourd'hui sa vie entre le Parc de la Terre Noire à Nyoiseau, Rochefort-sur-Loire et Beaucouzé où il a ses pied-à-terre et ateliers.

Son travail artistique est une écriture personnelle, formée de symboles et de couleurs intenses, librement inspirée par la bande dessinée et le Pop Art. Ses créations s'inscrivent dans le mouvement de la figuration libre, pourtant Bruno Antony n'hésite cependant pas dans ses travaux récents à s'en éloigner en accordant d'avantage de place au geste et à la spontanéité.

"Libre de m’exprimer, de penser, de mémoriser, j'ai le sentiment de n’exister que si je dispose toujours de cette capacité à inventer, à me renouveler."

Ses peintures contrastées, jouent sur le passage entre les couleurs vives et de larges traits noirs, le conscient et l'inconscient, souvenirs et émotions dans un graphisme à la fois minutieux et libéré. Cette dualité constante dans ses peintures fait sans doute échos au parcours et à la personnalité de l'artiste.

Sensible au volume et à la couleur, Bruno Antony n'hésite pas à se mettre constamment en difficulté en s'appropriant régulièrement des espaces et supports nouveaux, et en provoquant des rencontres inattendues.

Ses sujets mélangent des aspects autobiographiques à des allusions à l'actualité.
Jean-Paul Delogeau

Jean-Paul Delogeau

Jean-Paul Delogeau est un artiste plasticien né en 1961 à Doué-la-Fontaine. Ses travaux utilisent comme principaux mediums l’installation, la sculpture, la photographie, l’infographie et le dessin. Il vit aujourd’hui à Rochefort-sur-Loire où il a son atelier qu’il ouvre ponctuellement au public.

Après des études à l’école des Beaux-Arts d’Angers de 1984 à 1989 et à l’Akademie der Bildenden Künste de Munich, il expose lors de manifestations artistiques dans le limousin, à Voiron et en Anjou. Il a aujourd’hui des œuvres à l’artothèque d’Angers et à la galerie la corbata rosa à Rochefort-sur-Loire.

Ses créations s’articulent principalement autour du volume, de la trace, du sens et de la fonction.

Il présente des artefacts de notre civilisation, des reliques d’un présent souvent tombées en désuétudes et cherchant un nouveau rôle. Il s’intéresse beaucoup à la matière, à toutes les matières mêmes celles qui peuvent nous paraître présenter le moins d’intérêt car communes.

Dans ses dessins et travaux infographiques, Jean-Paul Delogeau assemble des objets et des chutes de matériaux par la retranscription, l’empreinte, le collage, la superposition, dans des compositions qui jouent avec les formes géométriques et les volumes pour créer une esthétique familière, profondément actuelle qu’il présente comme une archéologie du présent.

Des chutes, des bouts qui instaurent un peu de porosité entre l’espace, le lieu, le dispositif et ce qui est présenté.

Passionné d’Histoire de l’art contemporaine de Cézanne à aujourd’hui, Jean-Paul Delogeau s’intéresse particulièrement aux discours sur l’esthétique prolongeant les gestes artistiques de Marcel Duchamp. Il nourrit ses créations de confrontations aux travaux d’artistes tels que Pablo Picasso, Joseph Beuys, John Cage, récemment Fernanda Gomez, Ian Kiaer et de poètes choisis.

François-Victor Brunet - galerie la corbata rosa
Gé Gallard

Gé Gallard

Gérard Gallard est un artiste plasticien, né en 1939, pratiquant à la fois le dessin, la peinture et la sculpture. Diplômé des Beaux-Arts de Paris après avoir fait ses études à Angers et Bourges, il a longtemps vécu et enseigné dans la région. C'est aujourd'hui depuis les Deux-Sèvres, à Thouars où il s'est installé depuis une dizaine d'année, qu'il crée.

Son atelier est une antre où semble sommeiller mille personnages qui ne demandent qu'à en sortir pour venir nous réveiller de leurs énergies débordantes.

Ses rondes-bosses "gréco-romaines" ou "tribales", ses bas-reliefs et ses peintures, utilisent le bois, le papier kraft, et divers matériaux de récupérations tels que des boites à œufs, à chaussures, ou des vieux morceaux de ferrailles comme supports pour un travail graphique et pictural. Dans ce dernier domine le noir et blanc, les jeux d'ombres et de lumières, ainsi qu'un travail sur la matière.

L'essentiel de ses travaux, à l'exception de quelques paysages, abordent le portrait et l'autoportrait.

Les créations de Gérard Gallard sont animées par les gestes et mouvement de l'artiste, elles portent encore en elles le bruit du papier qui se froisse, les frottements du pinceau ou du crayon. Ses grands portraits, comme "Un ange passe" aborde l'art avec une part d'humour. Tout un bestiaire de petites créatures les animent en apportant avec eux également une idée d'échelle.
Mitsuaki Saito
Mitsuaki Saito

Mitsuaki Saito est un artiste plasticien français, d'origine japonaise, né en 1984 à Saint-Germain en Laye.

Ancien élève du Lycée International de Saint-Germain en Laye de 1995 à 2004 et de l’École des Beaux Arts de Valenciennes de 2006 à 2011, il intègre le Fresnoy Studio national des arts contemporains en 2011.

Un geste, un mouvement, une volonté de saisir dans le monde, des images dont la charge narrative est l'équivalent d'un soupçon

Ses travaux utilisent de nombreux médiums, principalement la vidéo, la photographie, le graffiti et le dessin. Plusieurs aspects se retrouvent dans ses œuvres. Il y a d'abord un travail du quotidien d'appropriation et d'expérimentation de son environnement. Il y a ensuite un travail où domine l'idée de la transmission, de l'archive dont l'objectif est de garder une trace intemporelle d'un élément présent avant qu'il ne disparaisse.

"Je m’interroge sur la manière dont l'homme développe sa vision du monde : le terme de « vision » en tant qu'image et imaginaire collectif.

La technique : Les Drip'Inks :

Les dessins présentés dans cette sélection sont influencés par la technique picturale du Dripping. Ils s'intègrent au côté du graffiti et de la photographie dans une pratique artistique qui peut être qualifiée de quotidienne chez Mitsuaki Saito.

L'artiste travaille ses dessins à même le sol, sur une surface plane, en atelier.

Il utilise l'eau, associée avec de l'encre aquarelle, de l'encre de chine et de la peinture aérosol acrylique, comme principal activateur de l'image. Les couleurs de Mitsuaki Saito se juxtaposent et s'entremêlent, les coulures se diluent sur la feuille, se mélangent ou se repoussent dans une chorégraphie laissant la part belle au hasard. L'artiste reprend ensuite le contrôle sur l'image, le support est soulevé généralement par un coin de feuille.

Mitsuaki Saito accompagne alors l'œuvre jusqu'à un état terminal avant de supprimer le résidu de matière pour ne garder que la trace de celle-ci sur le support.

L'image est donc créée par le mouvement de la couleur et de la forme sur une surface vierge. L'encre se dépose tel un tag sur un mur, il s'écoule subitement, l'espace d'un instant, pour occuper le papier et y laisser une trace. Les dessins sont ensuite sélectionnés, une grande partie d'entre eux sont jetés. Ceux gardés ont des évocations figuratives, pour l'artiste ils sont des organes sans corps, indépendants, des paysages intérieurs, ou des apparitions.

Mitsuaki Saito laisse la liberté aux regardeurs d'y interpréter d'autres visions, l'effet de paréidolie nous orientant tous vers des rapprochements très personnels.
- Yokaï :
Entre apparition mystérieuse, fantôme, esprit ou encore démon, les Yokai peuvent également désigner un événement inexplicable, habiter un objet ou un phénomène physique. Ils sont un terme générique qui désigne en fait plusieurs créatures et événements surnaturels issues du Folklore Japonais.

Ce dernier s'est constitué sous l'influence du Shintô et du Bouddhisme ainsi que des cultures Indienne, Chinoise, Tibétaine, Birmane ou encore Coréenne. Les Yokai se retrouvent d'ailleurs dans d'autres cultures sous d'autres noms, notamment en Chine et en Corée.

Des pouvoirs surnaturels leurs sont souvent attribués. Ils les utilisent en fonction de leurs natures et de leurs intentions. Ces dernières peuvent varier fortement entre espièglerie, signe de bon présage ou au contraire malveillance. Mitsuaki Saito s'inspire de cette tradition ancestrale dans ses créations pour créer ou rendre perceptible ces êtres légendaires.
Niwa :
Niwa désigne en japonais le jardin. Cependant la conception occidentale du jardin est assez éloigné de sa représentation nippone.

En effet, le jardin japonais est un sanctuaire spirituel, une œuvre d'art propice à la contemplation. Quelle que soit sa taille, le jardin japonais donne à lire et à interpréter l'univers tout entier. Il est une représentation de la nature, qui possède depuis la nuit des temps un caractère sacré. Sous toutes ses formes, même la plus pure et la plus sobre, il vient illuminer la vie de ceux qui l'habitent. Le but est d'utiliser des matériaux simples comme le végétal, la pierre, ou encore l'eau, pour exprimer le Tout et l'harmonie universelle de la Nature, Mère.

Espace incarnant la nature et révélant sa beauté, agissant comme une sorte de baume apaisant l'esprit, il est un chemin pour trouver la simplicité, afin de parvenir au mieux à l'essentiel.
- KO - Série Calligraffiti
Entre calligraphie, drip’ink et art graphique, Mitsuaki Saito réalise ici un point de jonction entre son travail d’exploration urbaine, le graffiti et ses travaux graphiques à l’encre et aquarelle dans lesquels il réinterprète et transpose au dessin la technique picturale du driping.

KO est une abréviation de KnockOut, renvoyant dans les sports de combat à la mise hors de combat d’un combattant par son adversaire. Le KO est souvent associé à une perte de conscience temporaire. Le terme est largement répandu aujourd’hui au point d’entrer dans le langage courant.
Virginie Pouliquen

Virginie Pouliquen

Virginie Pouliquen est une plasticienne, graveuse, dessinatrice, graphiste et illustratrice indépendante française née en 1987, elle vit et travaille à Angers. Titulaire d’une Licence en Arts-Plastiques obtenue à l’université Bordeaux 3, elle s’est spécialisée durant son parcours en gravure et en illustration puis a complété sa formation par un BTS édition qu’elle a obtenu à l’école Estienne à Paris. Depuis 2016, elle est assistante d’enseignement artistique, chargée notamment de l’atelier d’impression et d’édition de l’école supérieure d’Art et de Design d’Angers.

Elle expose régulièrement ses créations en France et collabore avec la compagnie Kiosk-Théâtre (théâtre de marionnettistes) et le collectif Défokaliz (photographie au sténopé). Son travail cherche le lien entre narration et fiction. Son approche graphique du sujet est marquée par les méthodes utilisées en archéologie, en zoologie et en médecine légale.

Cette démarche n’est cependant pas à proprement parler scientifique car Virginie Pouliquen prend soin, derrière une apparente rigueur, de constamment laisser une part à l’imagination et la subjectivité. Elle permet ainsi à ses explorations graphiques d’aboutir à des résultats uniques et inattendus, en témoigne sa série morphologie de chimères.

« Partant du dessin d’un crâne, je crée des reflets chimériques, des alter ego. »

Ses dessins semblent chercher le sens de ses sujets, d’en comprendre le fonctionnement et d’en remonter les origines tout en y apportant une réflexion sur leurs futurs et notre avenir.
Gildas Paré

Gildas Paré

Gildas Paré est un photographe français, né en 1977 et originaire de Nantes. Autodidacte, il découvre la photographie lors de ses années lycées et parfait ensuite ses connaissances et sa technique au sein de studios généralistes. Il travaille aujourd'hui dans son studio, au Mesnil-en-Vallée.

En tant que photographe, sa pratique se sépare aujourd'hui entre commandes commerciales et clichés artistiques. Gildas Paré travaille en intérieur comme en extérieur, mêlant éclairage artificiel et naturel. À travers ses photographies, il tend à expliciter ce qui se trouve derrière le miroir de l'idéalisme. Il cherche à dévoiler les apparences, à soulever les masques et à dépasser les illusions.

Son travail renouvelle notamment les esthétiques du Pop Art et de la nature morte. Il questionne également les différents enjeux liés à la trace humaine contemporaine.

"J'aime à observer la dualité entre la réalité et l'image contrôlée, et interroger nos propres fictions."
Juliette Trébuchet

Juliette Trébuchet

Juliette Trébuchet est une artiste née à Nantes, elle vit et travaille aujourd'hui à Saint-Aubin-de-Luigné.

Après avoir suivi les cours de dessins et de peintures des Beaux-Arts d'Angers, elle s'est perfectionnée lors de nombreux stages au fusain, à la sanguine, à l'aquarelle, au collage, à l'étude d'après modèle vivant, ou encore à l'art abstrait auprès d'artistes comme Mireille Baillot, Dominique Chrétien, Françoise Boudier, Robert Billant ou encore Laurent Noël.

Ces différentes techniques se retrouvent dans ses peintures, dessins et sculptures qui traitent du corps et de l'abstraction.

Quelque chose se fait, je ressens l'impératif d'aller plus loin, de trouver ce qui anime les traits, l'expression ressentie...

C'est une tentative, sans cesse renouvelée, du geste juste, d'un espace libre où la création peut advenir. Ses nus sont un hommage au corps et à la sensualité. Elle y recherche une certaine légèreté, une harmonie émanant du rapport entre l'âme et son enveloppe charnelle. Juliette tente de faire ressentir les vibrations des êtres dans un mouvement léger, vivant et joyeux. Ses paysages et ses travaux autour de la nature sont des recherches perpétuelles sur la couleur et la matière, la peinture étant le veritable sujet de ses créations picturales.

Son travail présente, dans un geste libéré, un jeu de formes et couleurs par lequel elle cherche à retranscrire les mouvements et les émotions de ses sujets.

François-Victor Brunet - galerie la corbata rosa
Brigitte Touvron

Brigitte Touvron

Brigitte Touvron est une artiste née en 1958 à Bagneux dans les Hauts-de-Seine. Elle vit et travaille aujourd’hui à Dinan dans les Côtes-d’Armor.

Aujourd’hui retraitée de l’éduction nationale, elle a longtemps mené une double vie d’artiste et d’institutrice. Arrivée à Angers dans les années quatre-vingt-dix, c’est en Anjou qu’elle a développé sa pratique de la gravure, pour laquelle s’est découverte une véritable passion à l’école des Beaux-Arts d’Angers en 1999. Elle y a perfectionné sa technique en assistant au cours du soir de Dominique Allard pendant près de dix ans.

Je grave des plaques de zinc à l’aide d’acide avant de les encrer et de les imprimer à l’aide d’une presse taille douce sur vélin d’Arches.

Cette pratique est lente et exigeante.

Depuis 2020, elle s’est installée en Bretagne à Dinan où elle ouvre parfois son atelier au public.

Sélection d'œuvres originales :